![\"\"](\"https:\/\/canaguaro.cinefagos.net\/n04\/wp-content\/uploads\/sites\/6\/2021\/08\/sep.png\")
<\/p>\nDaniel Zorrilla Romero<\/p>\n
<\/p>\n
Italo Calvino dice en su pr\u00f3logo a Las ciudades invisibles<\/em>, en las que el viajero Marco Polo le cuenta a Gran Khan historias de mundos posibles, no explorados, de formas no vistas, de espacios ignotos por el emperador, que solo existir\u00e1n como relato, pues su poder no podr\u00e1 llevarlo a conquistar esas tierras: \u201cun libro (creo yo) es algo con un principio y un fin (aunque no sea una novela en sentido estricto), es un espacio donde el lector ha de entrar, dar vueltas, quiz\u00e1 perderse, pero encontrando en cierto momento una salida, o tal vez varias salidas, la posibilidad de dar con un camino que lo saque fuera\u201d .<\/p>\n La propuesta de la d\u00e9cimo novena edici\u00f3n de BOGOSHORTS, que no propone ser construida como la trama de una novela, encaja muy bien con el modelo de ciudades que plantea Calvino: espacios con principio y fin, donde se camina sin rumbo fijo, donde el camino se traza en cada proyecci\u00f3n y se olvida con el paso de las horas, luego de acaba la funci\u00f3n. Algunas huellas quedan que permiten transitar esa ciudad del cine de cortometraje (que ya desde el dise\u00f1o gr\u00e1fico se hace evidente), pero siempre asediados por la pregunta: \u00bfD\u00f3nde estamos? Un ubi sumus <\/em>que, m\u00e1s que interrogar por una coordenada exacta en el mapa de la ciudad cinematogr\u00e1fica, ayuda a reflexionar sobre el lugar de cada individuo en ese espacio del cine.<\/p>\n Probablemente la pregunta \u201c\u00bfd\u00f3nde estamos?\u201d no tenga una respuesta clara; quiz\u00e1 la mejor respuesta ser\u00eda, como dir\u00eda Marc Aug\u00e9, en un no-lugar, en una tierra de tr\u00e1nsitos. Las ciudades cinematogr\u00e1ficas que el festival ha construido, la extra\u00f1a geograf\u00eda nacional (que cuestiona desde su propia selecci\u00f3n de cortos la pregunta por qu\u00e9 es lo nacional) sigue el ritmo de las islas errantes, con su movimiento personal, que conducen a las y los espectadores a las costas y derivas de espacios ignotos.<\/p>\n Sin poder creerme aquello que no soy, sin las capacidades del Marco Polo de Calvino, aunque s\u00ed con la misma fascinaci\u00f3n por contar las maravillas del viaje, har\u00e9 un recuento por mis paradas en varias de estas islas. Su extensi\u00f3n var\u00eda, es enga\u00f1osa, omite, oculta, y, ojal\u00e1, invite; los cortos sobre los que leer\u00e1 no los vivir\u00e1 en la experiencia (leer sobre viajes es transitar los recuerdos de otro por un espacio que no se puede recorrer), pero seguramente podr\u00e1 encontrar otros caminos que hacia estos lo gu\u00eden.<\/p>\n La ciudad sin l\u00edmites: cortos experimentales (8 de diciembre)<\/strong> Sin embargo, no deja de ser un ejercicio interesante ver d\u00f3nde empiezan a marcar esas fronteras invisibles entre g\u00e9neros; cu\u00e1les son aquellos rasgos que permiten, a\u00fan, la existencia de este tipo de categor\u00edas en los festivales de cine, en las aulas de clase, en los talleres<\/p>\n .<\/p><\/blockquote>\n Las caracter\u00edsticas de Small se\u00f1alan m\u00e1s no determinan. Los cortos de la categor\u00eda experimental nacional, que en este a\u00f1o creci\u00f3 a dos secciones, pueden ser descritos bajo algunas de las caracter\u00edsticas, especialmente la afinidad fenomenol\u00f3gica: son cortos que dejan sus huellas en la memoria sensitiva del cuerpo. La experiencia de asistir a salas para ver los nueve cortos permite la entrega a la exploraci\u00f3n sensitiva m\u00e1s all\u00e1 de vista. El cuerpo vibra con el sonido; la alteraci\u00f3n de los ruidos cotidianos, de las melod\u00edas musicales, hacen de todos los cortos en un medio de exploraci\u00f3n personal a trav\u00e9s de otros significados que no est\u00e1n contenidos solo en el plano de la imagen.<\/p>\n En el caso del corto Intentos por dejarse caer dentro,<\/em> del director Jonas Radziunas, la exploraci\u00f3n de lo sensitivo pasa por la dislocaci\u00f3n del espacio de lo real. Su corto incorpora sonidos de lo tecnol\u00f3gico, de las m\u00e1quinas, o por lo menos de aquello que podr\u00edamos asociar con el sonido de lo tecnol\u00f3gico. Es un corto sobre la alienaci\u00f3n, producto de la realidad pand\u00e9mica y de la angustia pol\u00edtica en la que nos ve\u00edamos en 2019 (y que pronto parece volver a repetirse). Su cortometraje, pensado en t\u00e9rminos de Small, tiene enorme afinidad por los medios tecnol\u00f3gicos: en la pantalla se puede recorrer un bosque a blanco y negro, hecho de vectores y l\u00edneas modeladas en un plano por computadora; se ven im\u00e1genes a trav\u00e9s de la televisi\u00f3n, noticias producto del ambiente pol\u00edtico del momento. La c\u00e1mara se mantiene en movimiento, tiembla, sigue al protagonista \u2013Mateo\u2013, pero tambi\u00e9n lo abandona. Se pierde en la arquitectura, que en su mayor\u00eda consiste en ruinas donde la tecnolog\u00eda, a forma de maleza, se toma el espacio. Su protagonista vaga por el espacio y a modo de soliloquio \u2013porque el di\u00e1logo en esa sociedad no es efectivo, no conecta\u2013 expresa su angustia de no pertenecer, de vagar en la sociedad sin rumbo fijo.<\/p>\n A lo largo del corto la met\u00e1fora de la caverna plat\u00f3nica, as\u00ed como del mundo como enga\u00f1o de lo sensible (herencia directa de las posturas cartesianas) se pone en juego. \u00bfSi no es a trav\u00e9s de los sentidos c\u00f3mo accedemos a lo real? \u00bfEs suficiente que exista la consciencia de que existe algo m\u00e1s all\u00e1 de nuestros sentidos cu\u00e1ndo lo \u00fanico que tenemos para transitar el mundo son los mismos sentidos? La pel\u00edcula no pretende dar soluci\u00f3n a planteamientos metaf\u00edsicos tan sempiternos, pero s\u00ed mostrar, de nuevo, el velo ilusorio que sostiene lo real.<\/p>\n En una misma l\u00ednea te\u00f3rica se encuentra el corto Ventalla, <\/em>del director G. Galo, que presenta a un hombre que parece el vigilante de un mundo inaccesible. Este es un corto que traza sus significados con el pincel del cuerpo. Hay alto nivel de detalle en los planos en los que se muestra a su protagonista an\u00f3nimo \u2013que de manera jocosa coincide con el nombre del protagonista de Intentos\u2026<\/em>\u2013, ya que la c\u00e1mara recorre con un ritmo pausado su cuerpo que pulsa de desesperaci\u00f3n. Este protagonista an\u00f3nimo se encuentra encerrado en una habitaci\u00f3n llena de pantallas. Proyecciones bosques, playas, r\u00edos, elementos y espacios de la naturaleza, que contrastan con el espacio oscuro y derruido en el que se encuentra. Me queda grabado en la memoria el plano de una mano dubitativa, que quiere tocar una pantalla donde se proyecta un bosque, como si tocar la pantalla de alguna forma acercara a la realidad. Mientras esta mano se acerca, temblorosa, la otra mano la agarra y la aleja de la pantalla.<\/p>\n En el corto no hay espacio para la palabra. Los sonidos de la naturaleza, que provienen de espacios inidentificables, como si las pantallas por s\u00ed solas fueran capaces de producirlos, como si el recuerdo de c\u00f3mo deb\u00edan sonar estos espacios, fuera suficiente. Esto se mezcla con una m\u00fasica que pasa de lo arm\u00f3nico a los disonante a medida que el desespero y la angustia de su protagonista crecen. Este hombre an\u00f3nimo vive alienado, por condiciones que no sabemos, por una cadena desconocida y oculta de causalidad, que lo ha llevado a la distancia y el extra\u00f1amiento. Las im\u00e1genes de este corto, en ese sentido, resultan m\u00e1s que todo un enigma. Lo que se esconde detr\u00e1s de su experiencia parece di\u00e1fano, pero exige ser desentra\u00f1ado por la mirada atenta que desenrede lo que el cuerpo intenta escribir.<\/p>\n Me queda grabado en la memoria el plano de una mano dubitativa, que quiere tocar una pantalla donde se proyecta un bosque, como si tocar la pantalla de alguna forma acercara a la realidad.<\/p>\n<\/blockquote>\n Mientras que el festival ha tomado esta deriva curatorial para hablar del cine experimental, uno que informa y reflexiona sobre los sujetos alienados, tambi\u00e9n abre el espacio a otras reflexiones sobre lo \u00edntimo. Esto lo hace bajo la categor\u00eda de \u201cla familia\u201d. En el centro del dolor por la p\u00e9rdida de un ser querido est\u00e1 el corto Lumbre,<\/em> de la directora Carolina Mej\u00eda Salazar. Podr\u00eda clasificarse este corto dentro de esta l\u00ednea ya bien establecida del documental casero, en el que las grabaciones y fotograf\u00edas son la base visual de la obra. Aqu\u00ed la expresi\u00f3n sonora de la voz no alcanza, as\u00ed que la palabra se transforma en texto y el sonido en una amalgama de distintas capas. Se pasa del ruido blanco a los sonidos de la naturaleza. El archivo familiar sede espacio a los videos de desastres naturales y videos de miradas microsc\u00f3picas del cuerpo y de las enfermedades vistas desde un microscopio. La desaparici\u00f3n est\u00e1 marcada por el tema de la pel\u00edcula: se inicia con la imagen del abuelo de la protagonista, que por una enfermedad empieza a deteriorarse r\u00e1pidamente y en un intento por encontrar consuelo empieza a usar morfina, lo que se convierte en una adicci\u00f3n.<\/p>\n El cortometraje de Mej\u00eda Salazar aprovecha los recursos del montaje y la potencia de las im\u00e1genes del archivo social para narrar el derrumbamiento familiar, desde lo nuclear (viendo las im\u00e1genes sacadas del archivo cient\u00edfico) a lo macrosc\u00f3pico (la erupci\u00f3n de un volc\u00e1n, un incendio forestal). Queda en la memoria emocional y sensitiva de mi cuerpo la imagen de unas gr\u00faas demoliendo una casa. A medida que el hogar y el pasado se desmoronan, as\u00ed tambi\u00e9n se derrumba el hogar. Un corto con un esp\u00edritu romanticista, en tanto que encuentra en las fuerzas de la naturaleza la expresi\u00f3n del dolor humano; en lo sublime terrible de una erupci\u00f3n o de un incendio logra traducir lo horrendo del dolor por la p\u00e9rdida de un ser amado.<\/p>\n Por una misma l\u00ednea transita el cortometraje La cumbre<\/em>, del director Felipe L\u00f3pez G\u00f3mez; una paranomasia de Lumbre<\/em>. Y no es solo una relaci\u00f3n fon\u00e9tica sino narrativa: una mirada hacia los abuelos de la familia, con todo un tono de nostalgia. El peso de esta palabra se asume a cabalidad: el nostos <\/em>(\u03bd\u03cc\u03c3\u03c4\u03bf\u03c2) griego significa tanto retorno, como hogar. A diferencia de los otros cortos de la secci\u00f3n de experimental, este no se acerca tanto a una verbalizaci\u00f3n distinta a la de imagen o a una b\u00fasqueda de otros materiales poco tradicionales para narrar su historia. Por el contrario, parece m\u00e1s cercano a las obras de Jonas Mekas con sus diarios, en las que el pasado capturado en las fotograf\u00edas revive tan solo como remembranza de lo que no se puede recuperar. La voz de su abuela articula la a\u00f1oranza por el lugar que, a modo de metonimia, significaba la familia. Sus im\u00e1genes son constataci\u00f3n de p\u00e9rdida y ruina, aunque esto es filmado con un cari\u00f1o que los colores en la imagen y el grano del dispositivo logran comunicar. <\/strong><\/p>\n Tras las huellas del n\u00facleo familiar est\u00e1 el corto (Sin asunto),<\/em> de Guillermo Moncayo. Se mira este corto desde el extra\u00f1amiento ling\u00fc\u00edstico, pues los di\u00e1logos, que m\u00e1s que di\u00e1logos parecen susurros, est\u00e1n a un nivel sonoro realmente bajo, sobre el que se imponen los sonidos ambiente, las recreaciones sonoras de la emoci\u00f3n y la m\u00fasica. Aquellos di\u00e1logos est\u00e1n en espa\u00f1ol y son las interacciones entre el protagonista, un guardia de seguridad en un zool\u00f3gico, que sufri\u00f3 un accidente de tr\u00e1nsito, y el de su hija mayor. \u00c9l abandon\u00f3 a su hija de ni\u00f1a y ella, ya una joven adulta, tiene que cuidarlo luego del accidente. La relaci\u00f3n no logra enmendarse y las costuras del dolor previo se hacen evidentes, pulsan en la imagen.<\/p>\n Sus im\u00e1genes son constataci\u00f3n de p\u00e9rdida y ruina, aunque esto es filmado con un cari\u00f1o que los colores en la imagen y el grano del dispositivo logran comunicar.<\/p>\n<\/blockquote>\n Por tal motivo, el padre decide hacerle una carta que vemos a lo largo de la pel\u00edcula por medio de subt\u00edtulos. Agregando al extra\u00f1amiento ling\u00fc\u00edstico, esta carta est\u00e1 escrita en ingl\u00e9s. Es un gesto que resulta extra\u00f1o y no del todo claro en su propuesta, pues mientas ellos se escriben mensajes por WhatsApp, estos est\u00e1n en espa\u00f1ol. \u00bfUsa el padre el ingl\u00e9s para traducir aquello que parece no poder poner en palabras en su propia lengua? \u00bfSer\u00e1 que el perd\u00f3n requiere una b\u00fasqueda en otras aguas del lenguaje para ser sincero? Es una pregunta que la pel\u00edcula no pareciera pretender responder, que flota en la imagen del d\u00eda a d\u00eda de sus protagonistas, que van a terapia, cumplen con su trabajo, se van de vacaciones, siempre separados. Este cortometraje funciona como una carta con remitente, pero que no llega a su lector, que se desv\u00eda y llega, sin asunto, a las pantallas.<\/p>\n Alej\u00e1ndose de las aguas de lo familiar para adentrarse en los terrenos de lo social, se encuentra el \u00faltimo grupo de cortometrajes. La mayor\u00eda de estos cortos, quiz\u00e1 exceptuando Entusiastas<\/em>, enfrentan problem\u00e1ticas sociales que van m\u00e1s all\u00e1 de un solo individuo. Comparten con alguna serie de documentales la mirada etnogr\u00e1fica, la pregunta por la injusticia e inequidad social.<\/p>\n Cruces,<\/em> de Carlos Tob\u00f3n Franco, se enfrenta a esos temas a trav\u00e9s de la arquitectura y el paisaje. En sus im\u00e1genes abundan paisajes desiertos, playas con aguas brav\u00edas y muros, muchos muros que hacen evidentes las fronteras pol\u00edticas y sociales. Su corto se mueve en el terreno del testimonio, en el que las voces sin cuerpo, las voces como espectros del pasado que acusan al presente, hablan de sus experiencias como migrantes; de la violencia de la polic\u00eda, de las personas locales, del miedo a ser evacuados del lugar en el que hay intentado establecer un hogar.<\/p>\n Mientras en Cruces<\/em> la arquitectura y las voces dibujan las formas de la opresi\u00f3n y divisi\u00f3n social, Fronteras visibles,<\/em> de Christian D\u00edaz Orejarena, hace de las paredes, los muros, la basura, el metal y las ramas, m\u00fasica. Su pel\u00edcula es una mezcla de diario, documental y en ensayo, toda a ritmo de la champeta. Conceptos como gentrificaci\u00f3n, racismo, exclusi\u00f3n, contradicci\u00f3n, opresi\u00f3n, extranjerismo, hacen parte de sus im\u00e1genes, as\u00ed como de la letra de la canci\u00f3n que compone a lo largo de todo el corto. Est\u00e1 lleno de humor e iron\u00eda, se\u00f1alando c\u00f3mo se repite el ciclo colonial de opresi\u00f3n: \u00e9l, un alem\u00e1n que viaja a Cartagena con una residencia art\u00edstica, intenta se\u00f1alar, como extranjero, los problemas sociales de la sociedad, que organiza complejos tur\u00edsticos y grandes edificaciones frente a barrios que enfrentan condiciones de pobreza. Las fronteras son claramente visibles: la arquitectura modernizada contrasta al instante con las edificaciones en ruina, desgastadas, que no est\u00e1n cubiertas del blanco de los hoteles.<\/p>\n Su cr\u00edtica a la sociedad no est\u00e1 exenta de un propio autoexamen. La champeta, g\u00e9nero que est\u00e1 estrechamente ligado con gran parte de la poblaci\u00f3n cartagenera, le sirve de dispositivo narrativo en el que se mezclan los sonidos de la ciudad con la cr\u00edtica de sus letras. Sin embargo, el cierre de su corto golpea en un punto nervioso: \u00bfno es su canci\u00f3n aquello mismo que \u00e9l pretende criticar? \u00bfAl hacer la canci\u00f3n, y por tanto el corto, no est\u00e1 repitiendo la misma violencia y los mismos conceptos de opresi\u00f3n que aquejan a la sociedad que \u00e9l estudia? El corto da un paso repentino de la risa al silencio. El plano final de la pel\u00edcula, una imagen de mar en la que estas preguntas son enunciadas en alem\u00e1n y en espa\u00f1ol, incapaz de dar una respuesta, porque probablemente no haya alguna que llegue a satisfacer a todo p\u00fablico.<\/p>\n El corto da un paso repentino de la risa al silencio. El plano final de la pel\u00edcula, una imagen de mar en la que estas preguntas son enunciadas en alem\u00e1n y en espa\u00f1ol, incapaz de dar una respuesta<\/strong>…<\/p><\/blockquote>\n La ciudad especular: cortos de ficci\u00f3n 1 (9 de diciembre)<\/strong> El primer corto, La herencia,<\/em> de Camilo Escobar, es una historia del peso del pasado, pero tambi\u00e9n sobre c\u00f3mo la mirada transforma el espacio. Amalia viaja a la casa donde vivi\u00f3 su padre, que la abandon\u00f3 cuando era una ni\u00f1a. En la casa se encuentra con Carmelo, su hermano, que parece haber vivido siempre con su padre. La conversaci\u00f3n que ellos empiezan a tener nace del rencor y la rabia: \u00bfpor qu\u00e9 despu\u00e9s de tantos a\u00f1os, y adem\u00e1s luego de haber muerto, su padre le pide volver a casa?<\/p>\n Toda la historia parece una esticomitia<\/em> tr\u00e1gica, en la que cada personaje se responde con mayor rapidez, como en un duelo verbal. A medida que la verdad sobre su padre emerge en el discurso, la casa empieza a desmoronarse. Cada corte revela las grietas, la humedad, el desorden y lo sucio. La casa, que el comienzo de la pel\u00edcula se ve pr\u00edstina, bien conservada, con muebles y objetos caros, termina, a los ojos del espectador, derruida, llena de grafitis, sucia. Cabe hacerse la pregunta de qui\u00e9n est\u00e1 mirando la casa y cu\u00e1l es la mirada que la ha transformado. Posiblemente sea la de Amalia, que a lo largo de la conversaci\u00f3n entiende otros matices de su padre y disipa la imagen que ten\u00eda de \u00e9l a causa de su ausencia. Escobar insiste, por medio de los di\u00e1logos y del espacio, que el pasado habita el presente. Sin embargo, el pasado no es un estado est\u00e1tico, no es inamovible. La emoci\u00f3n y la reflexi\u00f3n sobre el aqu\u00ed y ahora modifica el tiempo de anta\u00f1o, es capaz de darle nuevas formas al dolor.<\/p>\n Por una l\u00ednea similar va Tr\u00e1nsito,<\/em> del director Nicol\u00e1s Gait\u00e1n Sierra. Este corto usa las formas del documental para contar una historia de desamor a trav\u00e9s de Sof\u00eda, el heter\u00f3nimo de su madre. La pel\u00edcula abre con unas fotograf\u00edas peque\u00f1as, tama\u00f1o documento, en las que un texto explica que Myriam Sierra a veces se deja habitar por un heter\u00f3nimo para afrontar y cambiar la monoton\u00eda del paso de los d\u00edas. Aqu\u00ed asume la voz de Sof\u00eda, que recibe la carta de un amor lejano. Fragmentos de esta carta se funden con la imagen de la pel\u00edcula. Mientras vemos escenas de la cotidianidad, estas se van intercalando con las falsas promesas de amor.<\/p>\n A trav\u00e9s de un camino distinto, que lleva a un cambio de regi\u00f3n, de pa\u00eds y de lengua, est\u00e1 Luc\u00eda,<\/em> de la directora colombiana, radicada en Nueva York, Victoria Rivera. Varios de sus cortos ya han participado en BOGOSHORTS y ha obtenido distintos premios por su obra. Este cortometraje, que en un espacio distinto podr\u00eda ser presentado con el largometraje We the Animals,<\/em> de Jeremiah Zaglar, habla de un espacio gobernado por ni\u00f1os. La autoridad adulta no ejerce su agencia all\u00ed. Es un hogar de paso, que al poco tiempo de la obra se revela que este lugar es una casa de acogida y que los ni\u00f1os est\u00e1n all\u00ed a la espera de un hogar. Luc\u00eda, la protagonista, encarna en el corto la idea de la espera. En contraste a su posici\u00f3n estoica, pero llena de fe, est\u00e1n los dem\u00e1s ni\u00f1os de la casa, que parecen haber aceptado con resignaci\u00f3n la situaci\u00f3n y han sacado partido de la falta de control que hay en el hogar. La direcci\u00f3n de arte del corto presenta un paisaje muy detallado de un lugar desahuciado, abandonado, derruido, donde es f\u00e1cil llevarse la percepci\u00f3n de olores como la humedad, la suciedad, la comida pudri\u00e9ndose, la madera podrida. Rivera construye una atm\u00f3sfera donde es posible establecer una relaci\u00f3n sinest\u00e9sica a partir de la imagen. Sin embargo, todo este entramado visual y sensitivo trabaja en funci\u00f3n de algo m\u00e1s, y es la idea del perd\u00f3n, la uni\u00f3n y la reconciliaci\u00f3n.<\/strong> A lo largo del d\u00eda Luc\u00eda es v\u00edctima del maltrato y la burla de los otros ni\u00f1os, pero cuando cae la noche y la a\u00f1oranza por irse de ese lugar tambalea, las diferencias y las ri\u00f1as quedan a un lado para cerrar todo en un abrazo, en la uni\u00f3n de los cuerpos que buscan calor, pero tambi\u00e9n que se comprenden, como nadie m\u00e1s, en ese acto de uni\u00f3n.<\/p>\n Rivera construye una atm\u00f3sfera donde es posible establecer una relaci\u00f3n sinest\u00e9sica a partir de la imagen. Sin embargo, todo este entramado visual y sensitivo trabaja en funci\u00f3n de algo m\u00e1s, y es la idea del perd\u00f3n, la uni\u00f3n y la reconciliaci\u00f3n.<\/strong><\/p><\/blockquote>\n Una tierra hecha de escombros: secci\u00f3n documental (9 de diciembre)<\/strong> Otras voces, esta novedosas en el panorama, como la de Julio Barrera y Jharol Mendoza, se cuestionan desde distintas orillas el rol del padre. La pel\u00edcula de Barrera, Nuestros hombres ausentes<\/em>, enfrenta el hecho de que en la ausencia quedan las huellas de lo que estuvo presente. Esas huellas a veces se convierten en heridas, otras en secretos o enigmas. Barrera encuentra en su familia que esas huellas han sido le\u00eddas como una maldici\u00f3n, como si la rueda del destino hubiera designado el desamor y el abandono como la marca familiar. \u00c9l, por su parte, enfrenta la angustia de poder caer y repetir esos pasos, por lo que decide darle forma a la silueta vac\u00eda del padre que lo abandon\u00f3 (y de los padres que en su familia han abandonado a sus t\u00edas y abuelas), para crearse desde ah\u00ed un nuevo molde que pueda habitar como pap\u00e1.<\/p>\n M\u00f3nica Taboada-Tapia, por el contrario, tiene una aproximaci\u00f3n a temas y formas absolutamente distintos. Ya no es el n\u00facleo personal de la familia ni el archivo, sino un trabajo de aproximaci\u00f3n etnogr\u00e1fica. Su trabajo traza dos ejes de lectura: las condiciones paup\u00e9rrimas en las que muchas de las personas de la comunidad wayuu viven, especialmente con la falta de acceso a servicios p\u00fablicos y, especialmente, al agua. Por otro lado, c\u00f3mo es la vida de una mujer trans en esta comunidad, en la que por su g\u00e9nero termina en estados de mayor marginalidad, dentro de un grupo que ya de por s\u00ed vive afectado por esa misma condici\u00f3n.<\/p>\n El \u00faltimo documental de la secci\u00f3n, Superficies,<\/em> de Cristina Motta, es el de mayor impacto para este viajero. Record\u00e9 unos versos que Miguel Hern\u00e1ndez le dedica a su amigo Ram\u00f3n Sij\u00e9 en su eleg\u00eda: Motta habla de los cuerpos enterrados entre basura y escombros. De las mujeres desaparecidas que se saben est\u00e1n aplastadas por toneladas de tierra que nadie remueve. Hacen parte, muchas veces como muestran sus planos silentes y prolongados, del paisaje. En su cortometraje se siente el deseo de querer excavar en la tierra, incluso si es con los dientes, de despedazar aquella materia org\u00e1nica con la que los cuerpos se han ido fundiendo. Sembrar im\u00e1genes para recoger mundos posibles: secci\u00f3n animaci\u00f3n (10 de diciembre)<\/strong> El corto de Vallejo recoge algunos de los poemas de la escritora colombiana Mar\u00eda Mercedes Carranza, de su poemario El canto de las moscas<\/em>, en el que ella hizo una cartograf\u00eda de la violencia en Colombia a trav\u00e9s de poemas muy cortos que ten\u00edan el nombre de distintos municipios en la regi\u00f3n. Hay una mezcla de materiales y estilos de animaci\u00f3n que surge de las nueve artistas pl\u00e1sticas que colaboran en este cortometraje, que lo hace un cuerpo coral, arm\u00f3nico, que recoge el dolor desde distintas materialidades y perspectivas. Esta propuesta hace de la lectura del conflicto una reflexi\u00f3n que lleva a pensar que el trabajo sobre este consiste en un an\u00e1lisis que no lleva a formas cerradas, a respuestas absolutas. Por el contrario, es el di\u00e1logo y la interpelaci\u00f3n del lenguaje literario po\u00e9tico, con el pl\u00e1stico visual y el audiovisual, en el que los tres ofrecen l\u00edneas de fuga, pero tambi\u00e9n puntos de encuentro.<\/p>\n La secci\u00f3n de animaci\u00f3n de este a\u00f1o del festival deja, sobre el panorama de animaci\u00f3n, semillas de distinta clase. Cortos, como Los chicos s\u00ed lloran, <\/em>de Melanconnie, en los que la m\u00fasica define las formas de las im\u00e1genes, que vibran y se movilizan en el espacio, pulsando con los acordes para guiar con sus letras y sus im\u00e1genes hacia una reflexi\u00f3n sobre la violencia de g\u00e9nero.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" Daniel Zorrilla Romero<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":688,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[10],"tags":[],"class_list":["post-679","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-festivales"],"yoast_head":"\n
\nLas fronteras en las pel\u00edculas experimentales son porosas, dejan pasar y a la vez son atravesadas por distintos elementos. Su n\u00facleo est\u00e1 hecho de elementos dispares a la luz de la regla tradicional. Estas afirmaciones, sin embargo, pierden peso con el paso del tiempo, porque la porosidad parece ser un rasgo que ya otros g\u00e9neros tradicionales (como la ficci\u00f3n y el documental) han incorporado. Sin embargo, no deja de ser un ejercicio interesante ver d\u00f3nde empiezan a marcar esas fronteras invisibles entre g\u00e9neros; cu\u00e1les son aquellos rasgos que permiten, a\u00fan, la existencia de este tipo de categor\u00edas en los festivales de cine, en las aulas de clase, en los talleres. Edward Small, en su libro Theory<\/em>. Experimental Film Video as Major Genre,<\/em> ofrece ocho caracter\u00edsticas que le parecen intr\u00ednsecas al g\u00e9nero: es un g\u00e9nero que se produce con una alta independencia econ\u00f3mica; pasa por un proceso a-colaborativo<\/em> de construcci\u00f3n; es af\u00edn con los medios tecnol\u00f3gicos m\u00e1s all\u00e1 de la c\u00e1mara; tiene mayor afinidad con una aproximaci\u00f3n fenomenol\u00f3gica de las im\u00e1genes mentales; evade, de ser posible, la verbalizaci\u00f3n de la imagen; y, por \u00faltimo, afirma que las pel\u00edculas experimentales no entretienen como la ficci\u00f3n ni informan como el documental, sino que se enfrentan a substancia misma del arte.<\/p>\n\n
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\nLa ficci\u00f3n parte del trabajo con lo real, as\u00ed incluso solo por la materia prima. Los cortos de esta primera secci\u00f3n funcionan como un espejo manchado, uno c\u00f3ncavo, que devuelven la imagen distorsionada. La imagen all\u00ed contenida no es una negaci\u00f3n de la realidad, no es una mentira, es una realidad-otra, una reorganizaci\u00f3n de los elementos de la real, un cambio de perspectiva que permite leer las huellas del lugar que ocupaban las cosas, que dibuja nuevas formas y panoramas de interpretaci\u00f3n.<\/p>\n
\nEn voz de Marco Polo, esta ser\u00eda una de las tierras que con mayor detalle y placer podr\u00eda describir. Es una de las secciones m\u00e1s deslumbrantes de la selecci\u00f3n nacional. Algunas voces ya conocidas en el cine colombiano, como Aseneth Su\u00e1rez y Patrick Alexander, reflexionan sobre el archivo ajeno, sobre la carga emocional y el encuentro a veces forzado con las im\u00e1genes de lo que ya pas\u00f3, que muchas veces no lleva a la acogida sino al rechazo.<\/p>\n
\nQuiero excavar la tierra con los dientes,
\nquiero apartar la tierra parte a parte
\na dentelladas secas y calientes.<\/p>\n
\nLa funci\u00f3n con el paisaje de los cuerpos, su putrefacci\u00f3n y desaparici\u00f3n no es solo entre pilas de tierra sino tambi\u00e9n en los r\u00edos. Motta revisa los cuerpos acu\u00e1ticos y reflexiona c\u00f3mo pareciera que, por momentos, hay resistencia a la muerte, a la desaparici\u00f3n: los cuerpos flotan hacia la superficie, no son arrastrados por la corriente ni se hunden en el peso del mar. Formas de resistencia incluso desde la muerte; sue\u00f1os de que la injusticia no pase impune.<\/p>\n
\nAunque no es el tema de todos los cortos en esta categor\u00eda, los cortos Gal, monta\u00f1a de fuego,<\/em> de Jairo Tarapuez Jaramillo, y El canto de las moscas, <\/em>de Ana Mar\u00eda Vallejo, que se enfrentan al campo colombiano, a la violencia, a posibilidad de transformaci\u00f3n, cultivo y trabajo sobre el territorio.<\/p>\n